Le cinéma est une invention française : le 28 décembre 1895, Louis et Auguste Lumière organisent à Paris la première projection publique payante de films. Mais au-delà de cette paternité technique, la France a produit au fil des décennies certains des cinéastes les plus influents du monde. De Renoir à Godard, de Truffaut à Audiard, le cinéma français a constamment renouvelé ses formes, exploré les profondeurs de la psychologie humaine et influencé des générations de réalisateurs du monde entier.

Jean Renoir et l’âge d’or du cinéma classique

Jean Renoir (1894-1979), fils du peintre Auguste Renoir, est souvent cité comme le plus grand réalisateur français de tous les temps. La Grande Illusion (1937), sur des prisonniers de guerre français dans un camp allemand pendant la Première Guerre mondiale, est le premier film non anglophone à être nominé à l’Oscar du meilleur film. La Règle du jeu (1939), comédie de mœurs sur l’aristocratie française à la veille de la guerre, fut sifflée à sa sortie et interdite par les Allemands — elle est aujourd’hui régulièrement classée dans les cinq meilleurs films de tous les temps par les critiques internationaux.

Renoir développe un style humaniste et une technique de mise en scène fondée sur la profondeur de champ (tournage simultané de l’avant et de l’arrière-plan) et les plans-séquences, qui permettent aux acteurs d’évoluer naturellement dans l’espace. Son influence sur Orson Welles (Citizen Kane, 1941) est directe : Welles avait visionné La Règle du jeu des dizaines de fois avant de tourner son premier film. André Bazin, critique fondateur des Cahiers du cinéma, a théorisé que le style de Renoir était la définition même du « réalisme cinématographique ».

La Nouvelle Vague : révolution formelle

La Nouvelle Vague est le mouvement cinématographique le plus influent du XXe siècle. Né dans les années 1958-1965 autour des Cahiers du cinéma, il réunit des jeunes critiques (Godard, Truffaut, Chabrol, Rivette, Rohmer) qui passent derrière la caméra avec peu de moyens mais des idées révolutionnaires. Les 400 Coups de François Truffaut (1959), Lion d’or à Cannes, raconte l’enfance malheureuse d’Antoine Doinel — alter ego autobiographique de Truffaut — avec une caméra mobile, des acteurs non professionnels et un tournage en décors naturels parisiens.

À bout de souffle de Jean-Luc Godard (1960) est peut-être le film le plus influent de l’histoire du cinéma après Citizen Kane. Tourné en 4 semaines pour 400 000 francs avec une caméra à main, il invente le montage jump cut (coupes brutales dans l’axe), brise le quatrième mur, cite le cinéma américain de série B tout en le subvertissant. Godard déclara qu’un film doit avoir un début, un milieu et une fin — mais pas forcément dans cet ordre. Cette liberté formelle influence directement Tarantino, Scorsese, Lars von Trier et Wong Kar-wai.

Claude Chabrol, Louis Malle et leurs contemporains

Claude Chabrol (1930-2010) est le père du thriller bourgeois français : ses films (Les Biches, 1968 ; La Femme infidèle, 1969 ; Le Boucher, 1970) dissèquent avec froideur la province française et les violences souterraines sous la respectabilité de la bourgeoisie. Il réalise 54 longs-métrages et est souvent comparé à Hitchcock pour sa maîtrise du suspense et sa cruauté psychologique. Louis Malle (1932-1995) est le plus éclectique des cinéastes de sa génération : de la comédie (Zazie dans le métro, 1960) au drame (Au revoir les enfants, 1987) en passant par le documentaire (L’Inde fantôme, 1969).

Jacques Tati (1907-1982), avec Playtime (1967), tourne l’une des œuvres les plus ambitieuses et les plus coûteuses du cinéma français : la reconstruction à Paris de décors monumentaux représentant la modernité architecturale brutale. Le film ruine Tati financièrement mais est aujourd’hui considéré comme un chef-d’œuvre visuel. Agnès Varda (1928-2019), pionnière de la Nouvelle Vague et figure du cinéma féministe, réalise Cléo de 5 à 7 (1962) et Les Glaneurs et la glaneuse (2000), prouvant qu’un film peut être une forme d’essai filmé aussi valable qu’un roman ou un article.

Le cinéma français contemporain

Luc Besson (Léon, 1994 ; Le Grand Bleu, 1988) a exporté le cinéma français dans le monde entier avec une esthétique de clip publicitaire et des personnages iconiques. Les films d’Olivier Assayas, de Claire Denis et de Arnaud Desplechin sont régulièrement primés dans les grands festivals internationaux et montrent la vitalité d’un cinéma d’auteur qui refuse de choisir entre exigence formelle et accessibilité émotionnelle. Jacques Audiard (De battre mon cœur s’est arrêté, 2005 ; Un prophète, 2009 ; Dheepan, Palme d’or 2015) est le réalisateur français qui synthétise le mieux la tradition du policier populaire et les exigences du cinéma d’auteur.

La comédie française reste un genre à part entière, de La Vache et le prisonnier (1959) aux films avec Louis de Funès jusqu’au phénomène Bienvenue chez les Ch’tis (2008, 20 millions d’entrées en France — record absolu). Le cinéma français produit chaque année 200 à 300 films, bénéficiant d’un système d’aide à la création unique au monde via le Centre national du cinéma (CNC). Ce modèle d’exception culturelle, souvent critiqué, a permis de maintenir une industrie cinématographique nationale quand la plupart des pays européens ont abandonné la production locale face à Hollywood.

Les femmes réalisatrices et le renouveau du regard

Le cinéma français a longtemps été dominé par les hommes, mais plusieurs réalisatrices ont imposé leur vision dès le milieu du XXe siècle. Agnès Varda, déjà évoquée, est la figure tutélaire d’un cinéma féminin français qui refuse l’étiquette. Coline Serreau (Trois hommes et un couffin, 1985 — remake américain un an plus tard, signe de son influence) est la première réalisatrice française à dépasser les 10 millions d’entrées en France.

La génération contemporaine confirme cette tendance : Julia Ducournau (Titane, Palme d’or 2021 — première femme à la décrocher depuis Jane Campion en 1993) et Céline Sciamma (Portrait de la jeune fille en feu, Prix du scénario à Cannes 2019) placent le cinéma français féminin parmi les plus reconnus du monde. Leurs films partagent un goût pour les récits intimes et une mise en scène qui privilégie l’intensité du regard sur le spectacle.

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